В Тбилиси открывается Международный театральный фестиваль

14 сентября В Тбилиси открывается Международный театральный фестиваль. Мероприятие было организовано в 2009 году по инициативе тбилисской мэрии и Министерства культуры Грузии. В нынешнем году это уже третий по счету фестиваль. Он продлится 26 дней.

Для участия в мероприятии в Тбилиси прибыл известный актер Джон Малкович, который сыграет в спектакле "Адская комедия – исповедь серийного убийцы". Постановка будет проходит под музыку оркестра Венской академии.

По информации тбилисской мэрии, в рамках фестиваля свои спектакли представят театральные и балетные труппы многих стран. В программе грузинских постановок будут представлены 33 спектакля различных театров.

Гран-при Международного театрального фестиваля «Белая вежа» в Бресте в этом году не достался никому

Фестиваль посетили почти 15 тысяч зрителей. Практически все спектакли прошли при аншлаге. В нынешнем сезоне свои постановки привезли 26 театральных коллективов из 12 стран мира.

В конкурсной программе представлены сильнейшие работы. Жюри выделило сразу трех фаворитов. Это белорусская постановка «Эдип» Национального академического драмтеатра имени Горького, спектакли «Войцек» из Харькова и «Венчание» столичного театра кукол.

Определить, кто из них лучший, авторитетное международное жюри не смогло. Потому гран-при «Белая вежа-2011» не вручали никому, сообщает корреспондент телекомпании «Столичное телевидение».

Ольга Фиснлер, член жюри Международного театрального фестиваля «Белая вежа»: Выделилось три серьезных лидера. И так разделять и отдавать предпочтение кому-то одному, нам показалось не совсем корректным. Но поскольку три гран-при не бывает, мы решили выделить просто три лучших спектакля.

Информационный портал Беларуси "МойBY" 17.09.2011 культура

На фестивале «Белая вежа-2011» в Бресте выступили 26 театров

Почти 15 тысяч зрителей посетили спектакли 26 театров, выступивших на XVI Международного театрального фестиваля "Белая вежа-2011".

Как сообщает БЕЛТА, церемония закрытия фестиваля прошла вечером 16 сентября. В нынешнем сезоне свои постановки в Брест привезли 26 театральных коллективов из 12 стран мира. В их числе драматические и кукольные театры, студия современной хореографии, поэтические и площадные театры, театр эволюции теней. Всего за время фестивальной программы состоялся 31 показ. Практически все спектакли прошли при аншлаге.

В 2011 году Гран-при "Белой вежи" не получил ни один из спектаклей. Дипломы лауреатов фестиваля вручены в 11 номинациях. В частности, дипломом "За лучший спектакль малых форм" отмечена постановка "Эдип" Национального академического драматического театра имени М.Горького (Минск, Беларусь), "За последовательность режиссерского эксперимента" - спектакль "Войцек" Харьковского государственного академического драматического театра имени Тараса Шевченко (Украина). Сразу в двух номинациях - "За лучшую сценографию" и "За перспективность режиссерского мышления" - одержала победу "Свадьба" Белорусского государственного театра кукол (Минск, Беларусь).

Награды в номинации "За лучшую мужскую роль" удостоен Дэвид Кох, спектакль "Свет Кафки" Театра на Закзенринг (Кельн, Германия), "За лучшую женскую роль" - Галина Дягилева, спектакль Поют ночлежники" Белорусского поэтичного театра одного актера "Знич" (Минск, Беларусь).

Диплом "За высокую театральную культуру" получил Брестский академический театр драмы.

XVI Международный театральный фестиваль "Белая вежа-2011" проходил в Бресте с 9 по 16 сентября. Нынешний театральный сезон отличала разнообразная жанровая панорама: драма, музкомедия, трагическая история, уличный спектакль, спектакль-концерт Puppet-show, детективная комедия, моноспектакль, трагикомедия, монодрама с элементами драматического и кукольного повествования, психологическая драма, поэма и др.

Организаторами театрального форума выступили Министерство культуры Беларуси, Брестский облисполком и Брестский академический театр драмы.

«Брестский Курьер», 26 сентября 2011 года

Войцек и Хенрик между войной и миром. Послесловие к фестивалю «Белая Вежа»

театровед Татьяна ЗАРЕМБО

Итоги фестиваля «Белая Вежа-2011» несколько обескуражили завсегдатаев брестских «театральных марафонов». Жюри не присудило Гран-при, тем самым не назначило единственного победителя театрального конкурса, а определило несколько номинантов. Лидером оказался Белорусский государственный театр кукол, получивший два диплома: «За перспективность режиссёрского мышления» и «За лучшую сценографию». Харьковский государственный украинский академический драматический театр им. Т.Шевченко увёз диплом с номинацией «За последовательность режиссёрского эксперимента».

Два спектакля «Войцек» и «Венчание» явились, безусловно, событиями в программе брестского фестиваля. Это смелый авторский режиссёрский театр, способный озадачить как зрителей, так и специалистов.

Два молодых режиссёра: Александр Янушкевич из Минска и Александр Ковшун из Харькова порадовали смелой профессиональной работой, несмотря на фактический дебют обоих в режиссуре. Оба спектакля, сложные по форме, изобретательные по выразительным средствам, представляют собой глубокое философское осмысление классики постмодернистской европейской драматургии «Венчание» В.Гомбровича и «Войцек» Г.Бюхнера.

«Войцек» харьковчан смело соединяет в себе немецкий сюрреализм с украинским балаганом, в «Венчании» польский классик авангарда нашёл оригинальное воплощение в стилистике кукольного театра.

Профессия режиссёра требует в первую очередь зрелой сформулированной мировоззренческой позиции, а во вторую – смелости театрального высказывания без «внутреннего цензора». И чем актуальнее проблема, чем явственней аналогии с современностью, тем смелее должен быть режиссёр. Симптоматично, что А.Янушкевич и А.Ковшун обратились к одной и той же проблеме – вывели на сцену очень похожих героев. Войцек и Хенрик – маленький человек, рядовой мировой войны, любой войны – Первой мировой, Второй мировой или всех последующих войн, которые по сей день втягивают в своё жерло беспомощных обывателей и выплёвывают живую плоть с мёртвыми душами.

Войцек (арт. А.Борис) существует в трагифарсовой стихии «перманентной войны», в которой воюют не только полководцы друг с другом или армии с одинаковым «пушечным мясом» с обеих сторон, но эта война - тотальная. Она разделяет государство и вверенного ему мирного обывателя, она разрушает основы мироздания, предназначение человека, созданного по образу и подобию Божьему. Человек имеет наказ от Творца – украшать и преобразовывать Божий мир, а не разрушать и захламлять его. Бог создал человека целостного – «Мужчину и женщину создал их». Только таким человек способен к воспроизводству себе подобных. Война разрушает эту целостность: мужчина становится импотентом, а женщина блудницей. Растратив себя на убийства, Войцек-солдат не способен оплодотворить женщину, в нём иссякли жизненные соки. Мария – жена Войцека – фигура трагическая и символическая. Она соединяет в себе символ поруганного материнства и библейскую раскаявшуюся блудницу.

Герои спектакля «Войцек» -- фигуры многоплановые: вот доктор Гитлер в наполеоновской треуголке (А.Ковшун) – это полководец всех времён и всех войн; а Войцек (А.Борис) в советской шинели, английской каске и с клоунским носом – это вечный бравый солдат Швейк. Такими символами и метафорами щедро, даже избыточно щедро наполнен спектакль харьковчан. Художник И.Голец создаёт на сцене живое пространство, в котором нет ни стабильности, ни ясности. Оно постоянно изменяется, в нём всё смешалось в хаосе тотального разрушения: тыл и фронт, мир и война. Генеральный штаб – один на двух полководцев, и карта войны одна, и солдат, замороченный пропагандой, с приёмником в обнимку, тоже один на двоих. Это пространство раскрывается в космическую бездну, в чёрную дыру, куда втягиваются все потоки времени, история, современность и её обитатель -- «человек разрушенный».

Доведя трагифарсовый пафос спектакля до кульминации, когда зритель начинает осознавать, что он тоже существует сегодня в мире нестабильном, неясном, опасном, режиссёр предлагает в финале как бы три сценария выхода: оптимистический, пессимистический и публицистический – прямое обращение героя к зрителю, да ещё и многозначительный поклон. И это тот редкий случай в театральной критике, когда три финала не портят спектакль, а наводят на серьёзные мысли о смелом языке современного авторского театра: как происходит, что эклектика начинает выполнять эстетическую функцию, какие ещё сюрпризы преподнесут нам молодые режиссёры образца ХХI века.

А.Янушкевич – дебютант в профессии – смело окунает зрителя в абсурдный пародийный мир В.Гомбровича. Герой спектакля Хенрик (Т.Муратов) – солдат, как и Войцек, очнулся в странном мрачном помещении, то ли храме, то ли склепе, где в вышине светится то ли окошко, то ли рамка от иконы, и пытается осознать -- жив он или мёртв. Художник Т.Нерсесян создаёт целостный сценографический образ незримого мира храма души человека, храма разрушенного и разорённого войной, в котором уже нет Бога, в котором обитают воспоминания о самых дорогих людях: родители, невеста, друг. Только встреча с реальными близкими оказалась абсурдной. Друзья с трудом узнали друг друга, а родители и вовсе не узнали сына. Чтобы показать, насколько не совпадают образы, созданные воображением героя, и реальные люди, искалеченные военным лихолетьем,- родители, невеста, создатели спектакля прибегли к выразительным средствам кукольного театра. Родители Хенрика являются ему в виде громадных уродливых кукол. Поруганная, покалеченная девственность невесты предстаёт в виде уродливого манекена в свадебном наряде. Сцена насилия Мани, которая требует большой деликатности, находит исключительно точное воплощение в процессе расчленения манекена. Судьбы героинь Марии из «Войцека» и Мани – невесты (арт. С.Латышева) из «Венчания» сходны трагической безысходностью. Обе героини не случайно носят имя, символизирующее вечную женственность и материнство. Обе живут во враждебном мире и погибают в нём.

Образная система кукольного театра удачно «опредмечивает» символы и метафоры абстрактного языка В.Гомбровича. Обретают зримое сценическое воплощение фразеологические обороты, связанные с «указующим перстом», с функцией пальца властного лица, которому стоит только «шевельнуть пальцем» или «тронуть пальцем», как за этим следуют действия, поступки, события. Пальцы – большие, гигантские, маленькие и миниатюрные в огромных несчётных количествах заполняют фантастический мир, в котором обитают герои Гомбровича. Когда в Короле Игнате (А.Васько) происходит мучительная внутренняя борьба между отцовским чувством и королевским саном, внешне она изображена в разбухании до невероятных размеров королевской мантии, которая в конце концов поглощает человека.

Смотреть спектакль минчан весело и интересно. Ярко, красочно, метафорично, как и положено кукольному театру, он загадывает зрителю шарады, требует «мозгового штурма» для того, чтобы войти в постоянно изменяющийся мир, в котором Пьяница (В.Грамович) становится похожим на умного циника Воланда, «маленький человек» Хенрик возносится до королевского трона и становится похож на современного диктатора. В то же время смотреть спектакль «Венчание» не просто, не каждый зритель пришёл в театр за серьёзной духовной работой, некоторые пришли «просто отдохнуть». Их постигло разочарование. Зато те, кто остался после антракта, свободно читали сценическое повествование о Хенрике-диктаторе, «эзопов язык» спектакля был доступен и ясен, а сценические коллизии как будто взяты с последних новостных лент.

История Хенрика в спектакле А.Янушкевича как бы распадается на две отдельные новеллы: Хенрик возвращается с войны, и Хенрик-принц отнимает власть у Игната-короля и становится диктатором. У Гомбровича это целостная история, пронизанная единым смысловым стержнем -- венчанием, где этот ритуал имеет массу различных смыслов. Хочется надеяться, что в дальнейшем спектакль, что называется, «дозреет», ведь он ещё совсем «свежий» (премьера была в мае 2011). И ещё: для того, чтобы зритель понял и принял «правила игры» и не ушёл в антракте, первые 7-10 минут постановки должны ему эти правила донести ВНЯТНО. Над этим тоже стоит поразмышлять режиссёру и актёрам.

О чём говорят современному зрителю эти два непростых по форме авторских спектакля? О Нас, о нашем мире, о нашем бытии, о наших отношениях друг с другом. Гомбрович пишет: «Современный человек знает, что нет ничего постоянного, ничего абсолютного, что в любой момент всё находится в становлении, созидается, всё созидается между людьми…» Гомбрович пишет, театр показывает, а зритель смотрит и постигает. Трудно? А разве жить легко?.. А разве любить человека такого, каким мы его знаем, легко? Фестиваль «Белая Вежа-2011» затевался под девизом «Время любить!», а к концу этот девиз приобрёл новое осмысление: «Время учиться любить человека». Спасибо фестивалю.

газета «Харьковские известия», №114, 27 сентября 2011г., стр.6

ПРЕМЬЕРНАЯ "СПОКУСА"

Елена Седунова, фото Юрия Лихацкого

/А.Аркадин-Школьник на репетиции спектакля/

29 сентября Академический театр им. Тараса Шевченко открывает 90 /!/ сезон премьерой спектакля "Спокуса по-італійськи" по пьесе Эдуардо Де Филиппо "Цилиндр". О сегодняшнем и про ценности извечные ставили эту занимательную комедию художественный руководитель театра Александр Аркадин-Школьник и главный художник в коллективе шевченковцев Татьяна Медвидь.

Шевченковцы впервые за свою долгую славную историю обращаются к наследию Де Филиппо. Блестящий актер, режиссер, театральный организатор, драматург, он создал своеобразный театр для Неаполя. Действие в его комедиях происходит в Неаполе, все персонажи - неаполитанцы и говорят на неаполитанском диалекте, а впечатление такое, что эти доны и донны живут на соседней улице. В этом один из секретов популярности Эдуардо, как из уважения к заслугам Де Филиппо, спустя более четверти столетия после кончины драматурга, величают его на родине по сей день.

Де Филиппо, чьи комедии переведены на все европейские языки, обладал уникальным и всепокоряющим чувством комического. Что подтверждается его экранизацией своих пьес "Неаполь - город миллионеров", "Филумена Мартурано", не утративших популярности, и особенно фильмами выдающихся кинематографистов Дино Рози, Витторио Де Сика, которые расписались в любви к его текстам для сцены, выпустив на широкий экран "Призраки", "Брак по-итальянски".

Один из исследователей итальянского театра справедливо отмечал способность Де Филиппо "предельно приблизить игру к жизненной реальности, а для самой этой реальности найти идеальное сценическое воплощение". Стоит ли говорить, что благодаря этому дару драматурга режиссеры любят ставить спектакли по его пьесам, а актеры любят в них играть? Но не только этим объясняется сегодняшний интерес к театру Де Филиппо. По словам великого неаполитанца, пока никем не опровергнутым, в его пьесах, если приглядеться, можно найти историю человечества. Чем, собственно, и привлекателен "Цилиндр" - пьеса с девятью всего-навсего поименованными персонажами.

Название этой классической пьесы, имеющей вереницу сценических интерпретаций, символизировало для драматурга аристократизм не столько внешнего свойства, сколько порядка духовного. Выбрав героями "Цилиндра" представителей городских низов, он не отказывает им, загнанным в тупик вынужденной безработицей и занятым повседневной неразберихой в меркантильных делах, в проявлении сокровенных чувств. Самое большое искушение, которое испытывают уже герои премьерного спектакля шевченковцев, заключается в отстаивании каждого из них своего "цилиндра", а другими словами - чести и достоинства.

Режиссер-постановщик - заслуженный деятель искусств Украины А.Аркадин-Школьник вслед за Де Филиппо определил жанр спектакля как психологическую комедию. Хотя сюжет пьесы, не укладывающейся в сложившиеся жанровые стереотипы, сугубо бытовой, на первый взгляд. Две семейные пары, живущие бок о бок, здорово задолжали за квартиру. Опасаясь быть выброшенными на улицу, четверо горемык придумывают не лишенный балаганного шутовства "домашний спектакль", действующими лицами которого оказываются они сами, да еще уличные зеваки. Красивая, обворожительная Рита заманивает на пороге своего дома прохожих мужчин, обещая им любовные утехи по цене в 10 тыс. лир, но, получив заранее оговоренную сумму, оставляет их не солоно хлебавши. В пиковый момент ей надоедает несвойственная роль, а причиной тому становится туго скрученный клубок тупиковых обстоятельств, который стремительно разматывается с появлением непохожего на других дона Аттилио.

Атмосфера Неаполя передана в спектакле самыми разнообразными средствами, в чем немаловажна заслуга и театрального композитора Геннадия Фролова, он же - невидимый зрителю дирижер уличного оркестра, сопровождающего развитие сценического действия от начала до финала. Его оркестровая музыка, созданная на мелодической основе неаполитанской тарантеллы, в каждой сцене комедии звучит на особый лад - то бесшабашно-игриво, с озорством, то бравурно, то элегически раздумчиво, а то и нарочито пафосно. Наряду с Г.Фроловым в постановочной группе спектакля заслуженный работник культуры Украины Владимир Минаков /световая партитура и ее техническое обеспечение/, Мария Голубничая /звук/.

Сегодня в театральном закулисье царит предпраздничное настроение с примесью молитвенного волнения перед генеральной сдачей спектакля. Дотачиваются швы в костюмах, подбираются парики, гримы, прически, бутафоры проверяют реквизит, а монтировщики сцены усовершенствуют процесс сборки-разборки металлоконструкций, но больше всех в ожидании премьерного зрителя волнуются, пожалуй, актеры, среди которых три дебютантки.

Это Евгения Золотарева и Татьяна Сытова, вчерашние выпускницы Национального университета искусств им. И.Котляревского, дебютирующие в очередь в роли Риты. Это единственный из состава сценического оркестра музыкант по профессии Светлана Погребняк, призванная оживить в образе своей героини струны мандолины - лирической души Неаполя. /Удачи им и три фута под "килем"!/

Роль законного супруга Риты "поделят" актеры Валерий Брилев и Дмитрий Петров, а роль "причинного" дона Аттилио - заслуженные артисты Украины Юрий Евсюков и Гарри Чумаченко. Другую семейную пару представят на подмостках Татьяна Петровская, Майя Струнникова, Сергей Бережко, заслуженный деятель искусств Украины Степан Пасичнык. Нельзя не назвать братьев Борисенко, Романа Жирова, Максима Стерлика, Михаила Терещенко, Дмитрия Чернявского, без участия которых в спектакле не было бы ощущения "спокуси" во всей ее полноте.

Ну и хитрое название придумал для спектакля режиссер-постановщик - "Спокуса"!

Предлагаю войти во искушение.

г. «Харьковские известия», 6 сентября 2011 года

ОРКЕСТРОВАЯ ПРЕЛЮДИЯ К ТЕАТРАЛЬНОМУ СЕЗОНУ

Елена Седунова, фото из музейных фондов театра

16 сентября своеобразной преамбулой к началу 90-го, юбилейного сезона Академического театра им. Т.Г.Шевченко станет открытие для зрителей малой сцены "Березіль" представлением "Оркестр" Жана Ануя. Секреты этого беспрецедентного по количеству аншлагов спектакля шевченковцев приоткрыл в интервью «Харьковским известиям» режиссер Олег Русов.

- Олег Михайлович, "Оркестру" в вашей постановке, совместной с главным художником театра Татьяной Медвидь, во второй декаде октября "стукнет" полтора десятка лет, а его популярность держится на той же премьерной "планке", не смотря на то, что сегодня по сравнению с выпуском спектакля его актерский состав изменен примерно на треть. На ваш взгляд, причиной тому, как писал один из рецензентов, "французские страсти"? А может, интерес зрителей подогревается магией "почти классического шансона", как о том судил другой критик? Или?..

- Ануй - драматург универсальный, поэтому и "страсти" героев спектакля самые что ни на есть общечеловеческие, понятные всем и каждому. Оригинальная музыка талантливого и многостороннего в своей профессии композитора Игоря Гайденко действительно создает особую атмосферу спектакля, сообщая ему контрастные ритмы, динамичность, оттеняя лирические и трагикомедийные, гротесковые сцены. Вообще, наш "Оркестр" построен на контрастах. Ануев оркестр, развлекающий посетителей кафе-театра, где происходит действие спектакля, - женский, и называется он с эстрадно-концертным шиком "Парад троянд". /Кстати, это единственная наша словесная добавка к авторскому тексту спектакля./ Однако, эти "розы", рассылающие букеты улыбок своей публике, вынуждены терпеть произвол директрисы оркестра, деспотизм владельца кафе, скрывать личные невзгоды. Попытки скрыться от действительности в воздушном замке или избрать своей "мишенью" единственного в оркестре мужчину, пианиста Леона, не спасают хрупких, обделенных любовью женщин от драм и трагических потрясений. Их невысказанное, невыразимое горе отзывается и в звуках "магического" шансона.

- Ануя называют французским Чеховым...

- ...и совершенно справедливо. Жан Ануй еще долго будет хранить свои секреты для интерпретаторов его пьес, как и Антон Павлович. И все-таки некоторые из них мы разгадали. Прежде всего это выражается во взаимодействии между сценой и залом. Зрители по ходу спектакля незаметно входят в "роли" постоянных клиентов небольшого уютного кафе, разместившегося где-то на берегах Сены, а может - вблизи одной из харьковских речушек. Их аплодисменты актерам, невольными партнерами которых они становятся часа на полтора, частично "клиентские", энергично подзадоривающие героев бурлескного концертного дивертисмента, а по преимуществу, конечно же, чисто зрительские, благодарные. А главный секрет заключается в том, что зрители, переживая вместе с актерами радости и беды их оркестрантов, в представлении которых соседствуют лирика, эксцентрика и подлинный драматизм, проникаются сочувствием к судьбе "маленького человека", "недотепы".

- Сплав комического и драматического в характерах сценических персонажей спектакля это же самый значительный из раскрытых секретов Ануя. Ну, что ж, пора назвать исполнителей ролей в сегодняшнем "Оркестре".

- Отрадно, что среди них много артистов, которые играли в премьерном спектакле. Они-то и "держат" сценический темпоритм, благодаря им в спектакле осталась трогательная интимность. В сегодняшнем актерском ансамбле "Оркестра" - Майя Струнникова и Ирина Роженко, заслуженные артистки Украины Елена Качан, Анна Плохотнюк и Оксана Стеценко, народная артистка Украины Агнесса Дзвонарчук, а роль пианиста Леона играют в очередь Евгений Романенко и Роман Жиров.

- Секреты какой пьесы вы разгадываете сейчас?

- Это "Кот в сапогах" С.Прокофьевой и Г.Сапгира по знаменитой сказке Шарля Перро. И, как это ни странно, загадки детской пьесы разгадывать не легче, чем секреты "взрослой" драматургии.

НАБОКОВ ЗАГОВОРИТ ПО-УКРАИНСКИ

газета «Харьковские известия»,

№ 77,

5 июля 2011 г.

Елена Седунова, фото автора

9 июля репертуар академического театра им. Т.Г.Шевченко пополнится спектаклем "Повернення" в постановке Александра Ковшуна, чье стремление приобщить зрителей к прозе Владимира Набокова оказалось сильнее желания воплотить на малой сцене "Березіль" одну из его пьес. Новинка уходящего театрального сезона - представление по мотивам вышедших в свет в 20-х - 30-х годах новелл "Сказка", "Звонок", "Случай из жизни", "Возвращение Чорба".

В названии спектакля отражена сквозная тема творчества Набокова - возвращение в прошлое, в "утраченное время". Тема памяти проступает уже в раннем его стихотворении "Сириниана" /от набоковского псевдонима - Сирин/:

• "...И еженощно умирая,
• я рад воскреснуть в должный час,
• и новый день - росинка рая,
• а прошлый день - алмаз."

Набоков приступил к написанию рассказа "Возвращение Чорба", окончив вчерне свое первое крупное произведение "Машенька" - "роман о времени, о реальности прошлого - несмотря даже на то, что мы можем сообщаться с ним только в пределах настоящего", по словам биографа писателя Брайана Бойда.

Выходец из старинного аристократического рода, гордившийся тем, что его отец принадлежал к бесклассовой русской интеллигенции, Набоков вместе со своей родительской семьей был вынужден в 1919 году эмигрировать из России. Он закончил Кембридж. Жил, зарабатывая литературным трудом, в Германии, во Франции и США, последние полтора десятилетия провел в Швейцарии. Наверное, поэтому герои его произведений зачастую эмигранты, изгнанники.

Из эмигрантского "сословия" и набоковский Чорб. Он не может примириться с внезапной смертью своей жены, тронувшей электропровод. Чорб не находит сил поведать горестную весть ее родителям. Замыкаясь в "одиночной камере души", он пытается воскресить безмятежные дни короткого супружества, перенести в свое скверное, гнетущее безвыходностью сегодня ослепительные лучи прошлого.

Как в романной, так и в "малой" прозе Набокова диалоги встречаются редко. Поэтому не удивительно, что текст инсценировки Александра Ковшуна, положенный в основу спектакля, составляет всего несколько страниц. Однако в тексте сценическом значительная роль отведена бессловесным пластическим метафорам и целым сценам с использованием исключительно пластической выразительности актеров. Что, пожалуй, наиболее показательно для сценической миниатюры "Сказка", представление которой занимает весь первый акт спектакля.

В этом рассказе заметны черты гофманианской фантастики. Самый инфернальный его персонаж - черт в обличье дамы средних лет, мадам Отт. Она предлагает свое содействие закомплексованному Эрвину в составлении гарема из приглянувшихся ему женщин, но с условием, что их количество должно быть нечетным. И все удается вдруг осмелевшему герою, однако в финале рассказа он все же попадает впросак из-за чертовской уловки своей покровительницы.

Шутка, гротеск, драма и комедия, кажется, переплетаются и переплавляются одно в другое в этом спектакле, а развитие темы памяти в нем органично трансформируется в тему неотвратимого рока. Причем, режисерские ходы подсказывает Набоков.

Гротескна героиня рассказа "Случай из жизни", обреченная любить мужчин, которых удержать возле себя не может. Не менее гротескны и персонажи новеллы "Звонок", связанные неразрывными узами родства и вместе с тем безнадежно разъединенные друг с другом в своих "вымыслах благих".

"Какой ужас так видеть жизнь, как ее видит Сирин1" - восклицал оппонент Набокова, один из рассказов которого, кстати, и назван таким неподобающим якобы образом - "Ужас". Писателю инкриминировали "жестокость", "атмосферу жути и отвращения", "нелюбовь к человеку", "художническое пристрастие к изображению уродов, моральных и физических", засилье "ига памяти"... Тем не менее современник Набокова поэт и литературный критик Владислав Ходасевич находил, что его герои суть художники "под маской других профессий" и что мир выдуманный, воображаемый ими оказывается до странности более живым и сущностным. А еще Ходасевич верно подметил у Набокова способность населять свои творения "бесчисленным множеством приемов, которые, точно эльфы или гномы, снуя между персонажами, производят огромную работу: пилят, режут, приколачивают, малюют..."

Свои эльфы и гномы есть и в спектакле "Повернення", хотя они - другие. Это вставные персонажи, о которых Набоков, возможно, и не помышлял. Это веер замысловатых сценических придумок, на которые Александр Ковшун горазд, о чем доподлинно знают почитатели этого режиссера. Это и фоновая музыка из произведений Хиндемита, Стравинского, а кое-где и Бетховена наряду с ритмами фокстрота и поп-мелодиями почти столетней давности...

Главное же в том, что члены постановочной группы под руководством А.Ковшуна - сценограф Александр Абманов, актриса театра Елена Приступ в роли режиссера по пластике, известный художник по свету Владимир Минаков и энтузиастически настроенный ко всякого рода экспериментам молодой "звукач" Дмитрий Евсюков - решительно пошли за Набоковым с его призывом, прозвучавшим в последнем завершенном им романе "Посмотри на арлекинов!": "Деревья - арлекины, слова - арлекины. И ситуации, и задачки. Сложи любые две вещи - остроты, образы, - и вот тебе троица скоморохов! Давай же! Играй!"

Играют в главных ролях в "Поверненні" заслуженная артистка Украины Оксана Стеценко /Мадам Отт/ и Евгений Моргун /Эрвин/, Татьяна Турка и Артем Сердюк /на фото/, Майя Струнникова и Андрей Борис, Сергей Гусев /Чорб/, Ирина Роженко и Оксана Черкашина в образах Жены Чорба. В этот раз дебютируют на сцене театра студенты Национального университета искусств им. И.Котляревского Эльзара Бекирова и Алина Розуменко. По составу исполнителей этот спектакль-фантазия скорее молодежный, хотя и рассчитан на универсального зрителя, которого шевченковцы ждут на премьере с нетерпением.

«Возвращение» Набокова.

Четыре повести в одной постели

«Оживить» на сцене некоторые новеллы Набокова - вопреки мнению критиков - решили в харьковском театре им. Шевченко. Премьеру харьковчане увидят уже в начале июля. В основе нового спектакля «Возвращение» – новеллы Владимира Набокова «Сказка», «Звонок», «Случай из жизни» и «Возвращение Чорба». Шевченковцы обещают, что всё будет «красиво и печально», как и у автора текстов. Четыре сцены разворачиваются вокруг одной постели.

Елена Приступ, режиссёр по пластике: «Центром всего будет огромная кровать, особенно в "Сказке". В фильме, где играла Гурченко, это называлось "секс-сказкой". Будет огромная кровать, и всё будет происходить в одной кровати. Кровать – центр всего. Оттуда будут появляться женщины. Всё будет жить в этой кровати».

Главная сложность постановки в том, что сценария нет. В текстах Набокова нет диалогов, говорит режиссёр по пластике.

Елена Приступ, режиссер по пластике: «О многих новеллах, например, о "Возвращении Чорба" нам говорили, что их поставить нельзя. Там разные места действия и практически нет прямой речи, поэтому их поставить невозможно. Но если всё сложится, то может получиться очень интересная вещь».

Александр Ковшун, режиссёр-постановщик: «Ставилась одна только "Сказка". Все другие новеллы никогда не инсценировалась. Это у нас такая попытка, проба. Но мы всё время находимся на грани. Сами себя в том убеждаем, что можно поставить самые сложные вещи».

Инсценировку Набокова назвали «сценической фантазией в стиле модерн». Сам сюжет не будет перегружен, обещают в театре, он будет «легче взмаха крыльев бабочки».

Премьера «Возвращения» состоится на сцене театра им. Шевченко ещё в этом сезоне. Играть постановку будут четыре раза – 9, 10, 13 и 17 июля на малой сцене театра (сцена «Березиль»). Начало в 19.00.

Культура: Гусь-Ремонтный та інші

Газета «Слобідський край», №4, 13.01.2011р.

"БІЛОСНІЖКА" У СВІТЛІ РАМПИ

Прем'єра Харківського академічного драматичного театру ім. Т.Г.Шевченка "Білосніжка і сім гномів" причарувала маленьких глядачів. Режисер Олег Русов /Росія/ вибудував динамічне дійство, художник театру Ірина Голець придумала легкі витончені декорації та винахідливі костюми, балетмейстер Олена Приступ додала яскравості виставі постановкою танців і ритмізованих пританцьовок.

Близько 200 років тому німецькі літератори й науковці Вільгельм та Якоб Грімм уперше опублікували оповідання про чарівні пригоди принцеси Білосніжки у збірнику народних сказань. Минулого сторіччя під пером авторів дитячих книжок, лібретто, кіносценаріїв, п'єс для театру тощо сюжет казки в різних країнах світу зазнавав суттєвих змін. Популярність "Білосніжки" почала зростати після виходу однойменного повнометражного мюзиклу видатного американського художника-мультиплікатора Уолта Діснея. Цей мультфільм досі залишається одним із найулюбленіших мультфільмів у всьому світі. За літературну основу вистави шевченківців режисер-постановник Олег Русов взяв п'єсу, що створили Лев Устінов і Олег Табаков, здійснивши як драматичну обробку відомої казки.

Своєрідною передмовою до початку вистави є інтермедія, в якій з Новим роком театральну публіку вітали Снігуронька, Дід Мороз і завітавший до наших палестин Санта Клаус. Ця напівімпровізація нагадувала запрограмований веселий гармидер, коли зникає зримий бар'єр між сценою і залом. Діти охоче співали популярних новорічних пісень разом зі сценічними героями, наввипередки розгадували їхні загадки, залюбки долучалися до колективних ігор, найцікавішою з яких виявилася гра з перехоплюванням здоровезного кокоса, і все це - зі сміхом, з оплесками, з радісними гучними вигуками.

Існує лише один засіб привернути глядача: актор має так відкрити душу, щоби той забажав зробити те саме у відповідь. І актори йшли саме цим перевіреним шляхом. Навіть перша поява Білосніжки (Оксана Черкашина), кожен крок якої був сповнений нечутною музикою рухів, жестів, посмішок, породжувала в дітлахів довіру до неї. Їхню приязнь відразу викликав і Принц (Дмитро Петров), постать якого випромінювала силу і шляхетність. Беззаперечне співчуття маленькі глядачі виявляли до ніжної простодушної Ромашки (Ірина Кобзар і Ольга Шелкунова) і трохи буркотливого забіяки Кактуса (Лариса Луніна). А пихата Королева (Тетяна Петровська) з її холодною владною красою провокувала залу на енергійний опір усім її витівкам і підступним вчинкам.

Виконавці ролей доклали зусиль, щоби глядачі-діти відчули чарівність казки. Так, Андрій Борисенко придумав для Виконувача бажань вкрадливий "балет ролі", щоби підкреслити награне підлещування свого героя до королеви, а виразна пластика Дмитра Чернявського в образі Дзеркала була зрозумілою без зайвих слів. Гноми, яких грали молоді актори театру, уособлювали на сцені світ щасливого дитинства – завдяки безбережній грайливості, запалу, веселій вдачі цих кумедних і водночас дуже відважних персонажів.

Магія театру з кожною заміною декорацій заворожувала присутніх у залі ніби помахом чарівної палички, а насправді - за командою досвідченого помічника режисера Олександра Азбукіна. Добро в "Білосніжці і семи гномах" шевченківців перемагало зло наочно, і не в останню чергу цьому сприяла загальна святковість вистави.

З появою "Білосніжки" поряд з "Веселими пригодами Піфа" у репертуарі шевченківців сьогодні є вже дві "дитячі" вистави. А це означає, що для дітей двері театру завжди відкриті!

Олена Седунова

Газета «Харьковские известия» № 149 вiд 11.12.2010р.

	17 ДЕКАБРЯ ВПЕРВЫЕ ОТКРОЕТСЯ ЗАНАВЕС ШЕВЧЕНКОВЦЕВ ПЕРЕД «ПРИМАДОННАМИ» КЕНА ЛЮДВИГА В ПОСТАНОВКЕ ДАВНО СЛОЖИВШЕГОСЯ ТАНДЕМА ЗАСЛУЖЕННЫХ ДЕЯТЕЛЕЙ ИСКУССТВ УКРАИНЫ - РЕЖИССЕРА А. АРКАДИНА- ШКОЛЬНИКА И СЦЕНОГРАФА ТАТЬЯНЫ МЕДВИДЬ Елена СЕДУНОВА, фото Евгения ТИТОВА
КАК ВАЖНО БЫТЬ СЧАСТЛИВЫМ
Сегодня в репертуаре театров комедию сатирическую с ее жанровыми разновидностями заметно потеснила так называемая комедия положений. К такого рода развлекательным комедиям, сюжет которых строится на случайных и непредвиденных стечениях обстоятельств, принадлежат «Примадонны». Иными словами, Leading ladies (перевод с английского А. Аркадина-Школьника). «... Неужто вы слыхом не слыхали о том, что такое искусство и цивилизация?!» — такую гневную реплику, адресованную «потребителям» шоу-представлений, изобилующих сомнительными внешними эффектами, бросает один из героев Людвига. К счастью, современному американскому драматургу неведомо, какие косяки антрепризных спектаклей «с пошлиной бессмертной пошлости», в том числе под «маркой» российской столицы, кочуют по украинским театральным просторам. «Примадонны» им не чета.
Кен Людвиг, комедии Которого стали бестселлерами, - автор оригинальный, не повторивший никого из современных комедиографов. Ему присущи открытый энергичный взгляд на реальный мир, искреннее уважение к театральной публике, а главное - ощущение праздничной природы театра. Юмор его «Примадонны» насыщен озоном пылкой молодости главных персонажей пьесы, Джека и Лео, а остроумие наточено драматически конфликтными ситуациями, в которых не последнюю роль играют лирические мотивы. Комедия легкая, без примеси легковесности, способна породить в зале непринужденные улыбки, заразить задорным смехом, несмотря ни на какие эко-номические и политические потрясения и независимо от воз-раста зрителя, его социального статуса и прочее, прочее. Если бы Джеку и Лео, по воле драматурга, не были бы свойственны романтические порывы и склонность к интимным вы-сказываниям, не сложилась бы эта откровенная комедия из жиз-ни двух молодых актеров. По первому зову обстоятельств парни выдают себя за дальних родственников миллионерши, готовой выложить перед ними свои капиталы. Интрига в том, что тщетно разыскиваемые наследники богатой американки - сестры. Недолго думая, решительные лицедеи в образах юных дев «роб-ко» переступают порог гостиной тетушки Флоранс. Изворотли-вости и фантастического везения новоявленным примадоннам не занимать. Однако чем дальше, тем отчаяннее тяготятся сво-ими ролями Джек и Лео. В разгаре этой игры к каждому из них неожиданно приходит любовь... Подробный пересказ событий комедии излишен. Ведь зрителю необходимы затравка, манок, «фора», а там уж он сам разберет-рассудит, насколько парадоксальны повороты cюжета пьесы и в какой мере универсален юмор драматурга, помноженные на художническую изобретательность создателей спектакля и подлинность характеров, явленных на сцене. Только одно добавим: Кен Людвиг выстраивает в своей пьесе не такие уж и придуманные человеческие отношения, достоверность которых проверяется тонким сочетанием смешного и серьезного. О творческом содружестве А. Аркадина-Школьника и Т. Мед-видь написано немало восторженных рецензентских строк. Их тандем сложился в далекие семидесятые-восьмидесятые годы в работе над постановками спектаклей на сцене шевченковцев, среди которых - «Biciм люблячих жінок», «Допит», «Агент 00», «Маестро, туш!», «Гра на клавесині», и длился с разновеликими промежутками, но с той же неутомимой энергией все последующее время в разных театрах Украины. Года три тому назад на той же сцене шевченковцев харьковский зритель мог по достоинству оценить мюзикл «В джазе только девушки» по сценарию известного одноименного кинофильма в их совместной постановке, осуществленной в Донецком академическом музыкально-драматическом театре. Этот спектакль завоевал Гран-При на международном театральном фесте «Мельпомена Таврии», а также - Гран-при «Театрального Донбасса» и с полдесятка премий этого межрегионального театрального фестиваля, в том числе за лучшую режиссуру и сценографию. В спектакле «Примадонны» много движения, выразительной пластической игры, над чем сегодня работают в непосредственном контакте с режиссером-постановщиком Армен Калоян (пластические трюки), хореографы Светлана Двояшкина и Александр Авдеев, составляющие известный в Украине дуэт «Мипарти», успешно гастролировавший в Бельгии, Германии и еще в 18 странах. Главные и наполовину травестийные роли, требующие мол-ниеносных психологических переходов, разыграют в «Прима-доннах» актеры Эдуард Безродный (Лео) и Сергей Гусев (Джек), известные широкому зрителю не только по комедийным спек-таклям театра «Мина Мазайло», «PeVIзoP. Містична комедія» и другим. В жанровой роли Доктора выступит народный артист Украины Петр Рачинский. Тетушку Флоранс «поделят» народ-ная артистка Украины Людмила Платонова и заслуженная ар-тистка Украины Лидия Погорелова. В неожиданном художест-венном плане предстанет на подмостках многоопытный актер Сергей Бережко в образе Дункана, соперника одного из основ-ных провокаторов развития сюжета комедии. Сохранят вер-ность жанру спектакля актеры Татьяна Гриник и Майя Струн-никова, Алина Колесник и Ирина Роженко, Максим Стерлик и Михаил Терещенко. Сегодня «примадонны» примеряют туалеты и модельные, на высоких каблуках, туфельки 43-го и 45-го размеров (!), отыскать которые на прилавках магазинов было, конечно же, проблематично. Вскоре актерская «сборная» в полном составе выйдет на большую сцену театра, чтобы затеять со зрителем не лишенный яркой комедийной «подсветки» разговор о том, как важно быть счастливым. В добрый час, «Примадонны»!